Análisis fotográfico

“La tondue de Chartres” – Robert Capa
«Si tus fotografías no son lo suficientemente buenas es porque no estás lo suficientemente cerca».

Aspecto formal:

-          Autor: Robert Capa

-          Nacionalidad: Hungría

-          Género: fotografía de guerra

-          Fecha de creación: 18 de agosto de 1944

-          Fecha de publicación: 4 de septiembre de 1944

-          Procedencia: revista Life, en un artículo llamado The Girl Partisan of Chartres

-          Título: La tondue de Chartres (La rapada de Chartres)

-          Dimensiones: 24,5 x 35 cm

-          Blanco y negro

-          Lugar de realización: rue Beauvais en Chartres, Francia

-          Fotografía original

-          Asuntos: Segunda Guerra Mundial, concretamente un castigo de rapada por “colaboración horizontal” a una joven, tras la liberación francesa del nazismo.

-          Plano/escala de la imagen: gran plano general de una calle de piedra, viendo a todos los transeúntes de cuerpo entero

-          Natural o espontánea/pose o preparación: natural y espontánea, foto realizada en la calle justo después del castigo de la mujer

Análisis del contenido:

Contexto: el contexto en el que se da esta fotografía, es la clara Segunda Guerra Mundial, la cual está ya en su etapa final. Concretamente, se da en Francia, en Chartres –habiendo Capa fotografiado este conflicto en Londres, África del Norte, Italia, la batalla de Normandía en la playa de Omaha y París-, coincidiendo con la liberación de este último. «El fotógrafo había entrado en Francia diez semanas antes, el 6 de junio de 1944, incrustado en las tropas estadounidenses que desembarcaron en la Playa de Omaha, en la operación militar de Normandía que precipitó la caída de Hitler» (González, J.A., 2013) Este, no dudó en ir a fotografiar Chartres en ese momento debido a la celebración de juicios populares en contra de personas acusadas de colaborar con los nazis. 

Estos castigos fueron llevados a cabo por la Resistencia francesa, que se quería vengar de los que habían simpatizado con los invasores (con ejecuciones, torturas…en especial a las mujeres, como a Simone Touseau). Para esto hay que explicar que «Francia había sido dividida en dos zonas por Adolf Hitler: una, la de la costa occidental era gobernada directamente por Alemania; mientras que la ocupada en el área este con capital en Vichy fue administrada por el gobierno colaboracionalista del Mariscal Philippe Petain» (Nova de Historia, 2015)

Concretamente en esta fotografía, tras el castigo de rapar a la mujer, las FFI (Fuerzas Francesas del Interior) dieron orden de que se recondujese a la familia a su domicilio, los números 18 y 20 de la calle Beauvais, la ciudad francesa de la prefectura del Loira (la cual, tras la guerra fue renombrada como Docteur-Jacques-de-Fourmestraux), a la cual se están dirigiendo

Imagen social de guerra

Resumen o descripción del contenido: una mujer, Simone Toiseau, que había tenido un hijo con un alemán ha sido rapada y marcada con un hierro candente en la frente tras la liberación francesa del nazismo  y camina por las calles de la ciudad mientras los vecinos se mofan de ella. Es la mujer que está justo en el centro de la fotografía, con un bebé en brazos. «El pueblo la acusaba de “colaboración horizontal” con los nazis, es decir, de haber mantenido relaciones sexuales con un militar alemán en los años de la ocupación de Francia» (González, J.A., 2013)

Esta imagen es en movimiento, viendo en ella varios grupos de personas. Al fondo, una multitud que sigue toda la escena, el hecho del castigo. A un lado, vemos a unas madres con sus hijas siguiendo el ritmo. En el centro, el lugar central de la escena, vemos a la ya mencionada Simone   Toiseau con su hijo en brazos, el cual se cambió de identidad para que no lo reconociesen, pues es una muy famosa fotografía. Un oficial se encarga de que la mujer ande y lleve ritmo. Al otro lado de la mujer, hay un policía, el cual se ríe con tono burlón de ella.

Delante, está el padre de la mujer, Georges Toiseau, con un saco de tela, y justo detrás de él, a su derecha y poco visible, está su madre, Germaine Toiseau, la cual recibió el mismo castigo.  Todas estas personas, convergen en un punto, si se trazan diferentes líneas hacia el centro: la tricolor bandera de la República Francesa, colgada en el portal de la prefectura.

Todos estos hechos fueron reconstruidos por Gérard Leray y Philippe Frétigné, vecinos de Chartres, quienes dijeron que «la chica rapada había trabajado como intérprete para el ejército nazi desde 1941 y que se había liado con un soldado, del que sólo conocemos el nombre de pila: Erich» (González, J.A., 2013). Se decía además, que ella y sus padres simpatizaban con el Partido Popular Francés del filonazi Jacques Doriot. Madre e hijas fueron internadas en la cárcel y juzgadas en un proceso de traición hasta el año 1947, condenado a Simone a diez años de degradación nacional. Simone se entregó a la bebida y murió en 1966, a los 44 años.

Descriptores onomásticos: tondue, rapada, Chartres, Robert, Capa

Descriptores geográficos: Chartres, Francia, Beauvais

Descriptores temáticos: segunda guerra mundial, mujer, rapada, vecinos, calle atestada, franceses,  castigo, bebé, alemán, blanco y negro

Reflexión sobre la imagen: esta imagen muestra, claramente, la dureza de la guerra. Y la del ser humano. Bandos divididos y castigos por, simplemente, mantener relaciones con una persona de otro bando. Es totalmente imprescindible conocer la historia que esconde esta fotografía para que efectúe el impacto suficiente, puesto que a simple vista puede “carecer” de mucho significado, pero al conocer la liberación de París y toda la historia vivida por Simone, llegas a otro nivel. Como con todas las fotografías de guerra, las cuales hay que investigar minuciosamente su contexto para poder entenderla. Una fotografía sublime, no solo ya por lo que esconde, sino por su composición visual en la que todo converge en la bandera, siendo un factor importante en el conflicto; y por haber sido sacada en el justo momento, para que todo lo que transmite sea posible.

BIOGRAFÍA DEL FOTÓGRAFO:

(Robert Capa, en verdad, es el pseudónimo que crearon tanto Ernõ Friedmann como Gerda Taro –pareja sentimental- para realizar sus fotografías, pero en este caso hablaremos solamente de Robert Capa como Ernõ, puesto que en el año de toma de esta fotografía, Gerda Taro ya había fallecido)

Robert Capa nace el 22 de octubre de 1913, con el nombre de Endre Ernõ Friedmann, en Budapest (Hungría). Es en el año 1930 cuando empieza a hacer fotografías, comenzando a trabajar el año siguiente en Berlín como fotógrafo, para la agencia Dephot. De 1931 a 1932 realiza estudios de Ciencias Políticas y Periodismo en la Deutsche Hochschüle für Politik de Berlín, y el año siguiente se instala en París buscando trabajo, donde conoce a Henri Cartier-Bresson, David Seymour y Gerda Trado.

En París aún utiliza el nombre de André Friedmann, y será con la ya mencionada Gerda Taro con quien adoptará el nombre de Robert Capa en el año 1936 y será su pareja sentimental, falleciendo lamentablemente en el 1937 al ser atropellada por un tanque (al fotografiar juntos bajo el pseudónimo Robert Capa, a veces fue difícil saber qué foto correspondía a cada uno).  En 1936 es el año también en el que fotografía la Guerra Civil Española, publicándose sus imágenes en medios como Vu, Regards, Ce Soir, Weekly Illustrated y Life, entre otros.

A partir de estos momentos, vive en diferentes lugares, yendo a trabajar a China en el año 1938, y emigrando a Estados Unidos el año siguiente. De 1941 a 1945 fotografía la Segunda Guerra Mundial en Europa como corresponsal de Collier’s y, más adelante, de Life Magazine. Trabaja un par de meses al año en Israel entre el 1948 y 1950, y en  1949 comienza a publicar sus primeros reportajes en la revista Holiday. 

El 25 de mayo de 1954 muere en Indochina, al pisar una mina mientras realizaba un reportaje paraLife. Sus imágenes a día de hoy se conservan en la agencia Magnum y en el International Center of Photography de Nueva York.

Agencias:

Capa en París hace importantes contactos, que le llevaron a fundar, en el año 1947 la agencia Magnum (convirtiéndose en su presidente en el año 1951), junto a Cartier-Bresson, George Rodger, William Vandivert y David Seymour. Esta asociación «buscaba una independencia total, corolario indispensable de su compromiso como fotógrafos. Desde el inicio se imponen todos los atributos del estatuto de autor: elección de los reportajes y su duración, selección de fotografías, propiedad de los negativos, gestión del copyright y control de la difusión» (Caballero, S., 2006, portada). Otra de sus agencias fundadas es es la Alliance Photo, dirigida por Maria Eisner, que más tarde será secretaria y tesorera de la joven agencia Magnum.

Premios:

En el año 1947 es condecorado con la Medalla de la Libertad por la armada norteamericana y viaja a Rusia con John Steinbeck y será un año después de su muerte, en 1955, cuando Life y el Overseas Press Club creen el premio anual Robert Capa de fotoperiodismo

Libros:

Robert Capa tiene diferentes libros con sus fotografías, destacando Death in the Making (1938),The Battle of Watterloo Road (1941), Invasion! (1944), A Russian Journal (1948) y Report on Israel (1950). Pero quizá, el libro que destaque sobre todos estos, escrito por Robert Capa y con diferentes de sus fotografías es Slighty out of Focus (Ligeramente desenfocado), publicado en el año 1947.

“Le baiser de l´hôtel de ville” – Robert Doisneau
«Mi foto es la del mundo tal y como deseo que sea».

Aspecto formal:

-          Autor: Robert Doisneau

-          Nacionalidad: Francesa

-          Procedencia de imagen: Reportaje en la revista Life Magazine

-          Género: reportaje gráfico de dos páginas titulado Speaking of pictures… In Paris young lovers kiss wherever they want to and nobody seems to care.

-          Movimiento, corriente estilística: Romanticismo

-          Fecha de creación: Marzo de 1950

-          Título: Le baiser de l´hôtel de ville (“El beso del Ayuntamiento (de París)”)

-          Dimensiones: 11 x 12 cm

-          Blanco y negro

-          Fecha de publicación: 12 de junio del año 1950

-          Lugar de realización: En la plaza del Hôtel de Ville de Paris, en la esquina entre las calles Rivoli y Renard.

-           Fotografía original

-          Asunto: Amoroso

-          Plano/escala de la imagen: Plano americano

-          Natural o espontánea/pose o preparación: La imagen puede parecer natural o espontánea en una primera visión, pero en realidad fue encargada y la puesta en escena fue preparada por Doisneau. Así, en el 1993 el fotógrafo fue demandado por una pareja que alegó ser los enamorados que se besaban en la conocida fotografía. Doisneau presentó la serie completa de fotos tomadas en los distintos puntos de la ciudad francesa (como en la Concorde, la calle Rivoli y la plaza del ayuntamiento), ganando así el juicio.

Análisis de contenido:

Contexto: La Segunda Guerra Mundial había terminado hace cinco años, por lo que Francia, en el año 1950, aún estaba recuperándose y reconstruyendo todo aquello que la guerra se había llevado por delante. Esa recuperación de las empobrecidas economías europeas fue en parte dada por el Plan Marshall, una iniciativa de Estados Unidos para ayudar a la Europa Occidental desbastada tras la Segunda Guerra Mundial. 

Escena en el exterior

Resumen o descripción del contenido: En la fotografía observamos a una pareja de enamorados que se besan entre el gentío (concretamente podemos avistar seis hombres y dos mujeres) mientras caminan abrazados enfrente de un café, desde donde fue tomada la fotografía. También se ven coches que circulan por la calzada y una farola de alumbrado público con el ayuntamiento  de París detrás, aunque también se perciben los perfiles de otros edificios a lo lejos.

Descriptores onomásticos: Beso, París, plaza, Ayuntamiento.

Descriptores geográficos: Plaza Hôtel de Ville, Paris, Rivoli y Renard.

Descriptores temáticos: Blanco y negro, beso, pareja, amor, París, plaza.

Reflexión del equipo sobre la imagen: La fugacidad del amor, ya que puede ser una pareja perfectamente estable que el día de mañana puede que terminen con su relación por cualquier diverso motivo, incluso en unas horas, o mismo pueden ser dos perfectos desconocidos, puesto que puedes pensar tanto que la foto está planificada como que no. Despierta así sentimientos de cierta melancolía respecto a esa fugacidad del amor, en ocasiones difícil de mantener vivo.

BIOGRAFÍA DEL FOTÓGRAFO:

El fotógrafo francés Robert Doisneau nació el 14 de abril de 1912 en Gentilly (Francia). En el año 1929 se empezó a interesar por la fotografía, comenzando a aprender de forma autodidacta para tomar y revelar sus primeras creaciones, y ya había recibido formación en París de grabador litográfico y tipógrafo. Dos años más tarde, empezó a trabajar con André Vigneau, quien introdujo a Doisneau en el mundo de la fotografía como arte. Robert Doisneau (1991, en El País Semanal) señalaba que «Cuando yo empecé, nadie conocía a nadie. No había revistas que difundieran la obra de los fotógrafos más interesantes. Por eso la única persona que me influyó fue Vigneau. Era formidable: escultor, pintor, fotógrafo».

Pasaron aproximadamente tres años cuando encontró trabajo como fotógrafo para Renault, descubriendo así el mundo de los explotados obreros industriales, en el que estuvo hasta ser despedido en el 1939 por llegar tarde sistemáticamente a su puesto de trabajo, ya que para él, la desobediencia era una función vital en él. Estalla la Segunda Guerra Mundial, y Doisneau logra sobrevivir vendiendo postales con pinturas y grabados de Napoleón en el Hôtel des Invalides. En esa misma época, retrató a la Resistencia y la Liberación de París desde un punto de vista muy cercano y peligroso, lo que le permitió acceder a la Agencia ADEP, donde confluyeron en un breve período de tiempo Cartier-Bresson, Robert Capa y Pierre Jahan.

Es contratado por Vogue en el año 1949 para trabajar como freelance hasta el año 52, lo que le permitió contactar con la élite de la sociedad francesa. Fue en el 1050 cuando nació la serie “Besos”, donde se encuentra una de las fotografías más románticas de la  historia, puesto que es un beso que simbolizó una multitud de cosas como el amor o París como ciudad romántica, y representó una época de exaltación del sentimiento; “Le baiser de l´Hôtel de Ville”. La serie fue expuesta en el MoMA (Museum of Modern Art, Nueva York) y en Francia se editaron en dos diarios: Ce Soir y Point de Vue.

Se dedicó también a proyectos personales como la publicación de su libro “Instantanés de Paris” en 1956.

Al volver a las calles, Robert Doisneau (1992; carta a Michael Guerrin) señalaba que «Los fotógrafos ya no inspiran confianza. Ya no me reciben como antes. Se ha perdido la magia. Es el fin de la fotografía “pura”, de quienes desenterraban tesoros ocultos. He perdido la alegría. […] El cemento ha reemplazado a los enlucidos en yeso y a las cabañas de madera…Ya nada atrapa la luz.»

El 25 de septiembre de 1993 el fotógrafo tomó su última foto. A la edad de 81 falleció el 1 de abril en el año 1994 en París.

Publicaciones de obra gráfica:

La Banlieue de París, 1949; Los parisinos tal como son, 1954; Instantáneas de París, 1956; Perros de París, 1955; Pour que Paris soit, 1956; Robert Doisneau, 1981

Películas dirigidas:

Les Visitants du Square, 1992

Películas en las que fue director de fotografía:

Las películas que Doisneau ha realizado como director de fotografía han sido:  El silencio es oro en 1947 (René Clair), París 1900 en 1947 (Nicole Védrès),  Disparad al pianista en 1960 (Francois Truffaut)y Un domingo en el campo en 1984 (Bertrand Tavernier)

Premios y galardones:

Ganó diferentes premios como: el premio Kodak en 1947, el premio Niepce en el año 1956 y en el 1957 y el Gran Premio Nacional de Fotografía en Francia en 1983.

"Padre e hijo llorando. Despedida de emigrantes" - Manuel Ferrol
«Sólo sé lo que vi, la emoción que aquella gente me producía»

Aspecto formal:

-          Autor: Manuel Ferrol

-          Nacionalidad: española

-          Procedencia de la imagen: Serie sobre la emigración gallega de los años 50 

-          Género: Fotoperiodismo / Fotodocumental

-          Corriente: Realismo

-          Fechas: se creó en 1956 y se publicó en 1957

-          Título: “Despedida de emigrantes”

-          Dimensiones: no especificadas

-          Blanco y negro

-          Lugar de realización: Ferrol, A Coruña

-          Fotografía original

-          Asunto: emigración gallega

-          Plano: medio

-          Natural, espontánea. 

Análisis del contenido:

Contexto: en Galicia hubo una gran cantidad de emigración durante los años 50

Escena en exterior

Descripción del contenido: Un padre, Xan Calo, abraza a su hijo Xurxo cuando se despedían de su familia sabiendo que no la volverían a ver durante una larga temporada. El gesto de aferrarse a su hijo con esa fuerza, a la vez que delicadeza, llega al corazón de cualquiera que se pare a mirar esta fotografía, convertida en un hito del fotoperiodismo de emigración.

Descriptores onomásticos:  Manuel Ferrol - despedida de emigrantes - Xan Calo

Descriptores geográficos: A Coruña - Coruña - Galicia - plaza

Descriptores temáticos: emigración - retrato - familia - padre e hijo - blanco y negro - huida - multitud - tristeza - despedida - analógica  - plano medio

Reflexión de la imagen: Una imagen desesperanzadora de la emigración en un momento histórico en cuanto a los refugiados e inmigrantes. La mirada del espectador se pierde en la expresión del padre, tremendamente humana y personal.

BIOGRAFÍA DEL FOTÓGRAFO:

 Manuel Ferrol nació en Cabo Vilán, Galicia. Cursó sus estudios de bachillerato en Vigo y con 27 años abrió un estudio fotográfico en Betanzos. Tres años después se dedicó a la fotografía de retraso en Ferrol y en 1955 se instaló en A Coruña. En estas ciudades estuvo participando en las actividades de sus respectivas agrupaciones fotográficas.

En 1953 la marina estadounidense le encargó un reportaje sobre su estancia en el puerto ferrolano lo que tuvo cierta influencia en el premio que recibió de la Asociación de artistas de A Coruña. Sin embargo, el reportaje que le dio la mayor relevancia fue el encargado por el  Instituto Español de Emigración en 1957 sobre las despedidas entre los emigrantes y sus familias en el puerto de A Coruña cuando embarcaban con destino a Argentina.

Desde 1958 trabajó como corresponsal de Televisión Española y otro reportaje menos conocido fue el que realizó durante el secuestro realizado por el Directorio Revolucionario Ibérico de Liberación en 1961 del trasatlántico Santa María, siendo el único fotógrafo que consiguió una imagen de los casquillos de los proyectiles empleados en su asalto. En 1965 entró a formar parte de la plantilla del NODO por lo que compatibilizó la fotografía con el cine. Durante el gobierno de Francisco Franco realizó numerosas fotografías del mismo en sus estancias en Galicia y de su yate; aunque nunca fue nombrado como fotógrafo oficial disponía de libertad de movimientos para realizar fotografías en las residencias del dictador.

Es el único gallego que aparece en la prestigiosa Historia de la Fotografía de Beaumont Newhall y está permanentemente expuesto en el Museo de la Fotografía de Columbia, en Estados Unidos.

El autor falleció en 2003 a los 79 años de edad.

"Variación 8" - Luis González Palma
«En mis retratos intento mostrar la desazón humana de buscar algo que jamás se tuvo ni se tendrá, que somos hijos de la pérdida.»

Aspecto formal: 

-          Autor: Luis González Palma

-          Nacionalidad: guatemalteca

-          Título: “Variación 8”

-          Fotografía original

-          Serie / exposición: “Jerarquías de la intimidad (La Anunciación)” en colaboración con Graciela de Oliveira

-          Corriente: Surrealismo

-          Género: Retrato artístico

-          Fecha: 2006 año de creación, 2007 año de publicación

-          Lugar de realización: Córdoba, Argentina

-          Asunto: Análisis de la intimidad 

-          Plano: Medio corto con espacio negativo hacia la derecha

-          Dimensiones: 100cm de diámetro

-          Color

-          Imagen preparada

Análisis del contenido:

Contexto: González Palma comenzó a prestar atención a la exploración de la memoria y las obsesiones personales, pasando de su anterior análisis de lo popular al estudio de lo más íntimo.

Retrato individual

Descripción del contenido: Una mujer de edad avanzada ensimismada al tocar unas manos que aparentemente salen de la pared. Es una metáfora del recuerdo que la mujer tiene de una persona fallecida con la cual tiene un contacto espiritual. Los colores fríos realzan la tensión dramática, colocados estratégicamente en la zona que pudiera ser menos personal de la escena, en contraste con el pelo de la protagonista, con un color cálido que realza su viveza.

Descriptores onomásticos: González Palma - Luis González Palma - anunciación - variación 8 – ocho

Descriptores geográficos: habitación – interior

Descriptores temáticos: Mujer - anciana - azul - manos - retrato - espacio negativo - circular - intimidad - soledad - recuerdos - memoria

Reflexión de la imagen: Una imagen que perturba al espectador. Transmite soledad y desconcierto, además de añoranza por lo que ya no está. Una magnífica forma de inmortalizar un momento tremendamente íntimo de la protagonista, que, a pesar de tener una postura preparada, deja claro a la perfección el sentimiento de la escena.

BIOGRAFÍA DEL FOTÓGRAFO:

Luis González Palma nació en Guatemala en 1957, vive y trabaja en Córdoba (Argentina) y está considerado uno de los fotógrafos latinoamericanos más importantes de la escena internacional. 

Utiliza los códigos del cine y la arquitectura, de la danza y la música, de los ritos oscuros que avivan la mirada de los pueblos de Guatemala. En su obra hay una continua relación entre la tradición y la ruptura innovadora.

Estudió arquitectura y cinematografía en la Universidad de San Carlos, Guatemala.  Su vida cambió al comprarse una cámara en 1984, lo que despertó profundamente su entusiasmo viendo los resultados.

Luis González Palma utiliza sombras, encuadres y filtros especiales para lograr un efecto que remonta al espectador a los primeros días de la fotografía. Este efecto lo refuerza con el uso de un tono sepia, que logra de una forma muy peculiar: primero barniza la impresión de la fotografía con betún de Judea, lo que le da un toque antiguo.

Después saca el exceso de betún en ciertas partes de la fotografía, volviéndolas a su tono original, lo que ayuda a resaltar partes importantes de la composición. Finalmente, recubre las impresiones con un polvillo de oro, que evoca el color sepia que tienen las fotografías tomadas hace decenas de años cuando son vistas en la actualidad. El resultado es un retrato moderno pero ancestral, bello y, al mismo tiempo, melancólico.

Entre sus exposiciones personales se pueden mencionar: The Art Institute of Chicago (USA); The Lannan Foundation, Santa Fe, (USA); The Australian Centre for Photography, Australia; Palacio de Bellas Artes de México; The Royal Festival Hall en Londres; Palazzo Ducale di Genova, Italia; Museos MACRO y Castagnino de Rosario, Argentina; y en festivales de fotografía como Photofest en Houston, Bratislava en Slovakia, Les Rencontres de Arles en Francia, PHotoEspaña en Madrid, Singapur, Bogotá; San Pablo y Caracas, entre otros.

Ha participado en muestras colectivas como la 49 y 51 Bienal de Venecia, Fotobienal de Vigo, XXIII Bienal de Sao Paulo, Brasil, V Bienal de la Habana; en el Ludwig Forum for International Kunst en Aachen, Alemania; The Taipei Art Museum en Corea, Museo de Bellas Artes de Buenos Aires, Argentina; Fundación Daros en Zurich, Suiza; Palacio del Conde Duque en Madrid, España y la Fargfabriken en Estocolmo, Suecia. Su trabajo esta incluido, además, en varias colecciones privadas. 

Recibió el Gran Premio PHotoEspaña “Baume et Mercier” en 1999 y colaboró con la puesta en escena de la producción de la Opera “The death and the maiden” en la Opera de Malmö en Suecia en el año 2008.

Tiene tres monografías de su trabajo publicadas entre las que se puede mencionar “Poems of sorrow” de Arena Ediciones, “El silencio de la mirada” en Ediciones Pelliti en Roma, y Luis González Palma, Ediciones “La Fábrica”, España.

 “Great Depression” – Dorothea Lange
«La cámara es un instrumento que le enseña a las personas cómo ver sin una cámara»

Aspecto formal:

-          Autor: Dorothea Lange

-          Nacionalidad: Estadounidense

-          Procedencia de imagen: “Administración de Seguridad Agraria”; es donde nace el reportaje sobre la Gran Depresión.

-          Género: reportaje gráfico que muestra el desastre de la Gran Depresión.

-          Movimiento, corriente estilística: Formación purista y pictorialista. Fotografía documental de corte social.

-          Fecha de creación: Durante los años 30.

-          Título: La serie fotográfica recibe el nombre de Great Depression (“Gran Depresión”)

-          Blanco y negro

-          Lugar de realización: Diferentes lugares en Estados Unidos.

-          Fotografía original

-          Asunto: Documental de corte social.

-          Plano/escala de la imagen: Plano general.

-          Natural o espontánea/pose o preparación: Se calificaría como natural, ya que la fotógrafa retrató fielmente la gran depresión que se vivió en Estados Unidos a finales de los felices años 20. En sus fotografías, Lange intentó únicamente mostrar una labor documental sobre el desastre que se vivió en esa época.

Análisis de contenido:

Contexto: Es el fin de los felices años 20 en Estados Unidos al darse en el año 1929 la caída repentina de la bolsa de Nueva York, dando lugar a esa etapa de crisis económica a nivel mundial que recibió el nombre de Gran Depresión. Estados Unidos era el foco principal de dicha crisis, y aquí fue donde se vieron afectados sectores como la industria pesada, la agricultura y la producción de bienes de consumo, dejando a una numerosa parte de la población estadounidense en un poso de absoluta pobreza.

Escena en el exterior.

Resumen o descripción del contenido: En la fotografía de Dorothea Lange observamos a un padre de familia sujetando a un pequeño bebé en sus brazos, mientras se apoya con una de las piernas en un viejo coche. En el centro de la imagen se sitúa una especie de casa, incluso que podría recibir el nombre de “cabaña destartalada”, en la cual asoma, por la puerta, la triste mirada de una niña.

Descriptores onomásticos: Gran Depresión, pobreza, Estados Unidos.

Descriptores geográficos: Estados Unidos.

Descriptores temáticos:  Estados Unidos, Gran Depresión, coche, cabaña, padre, pobreza, bebé, blanco y negro

BIOGRAFÍA DE LA FOTÓGRAFA:

La conocida e influyente fotoperiodista documental Dorothea Lange nace en Hoboken (Nueva Jersey) el 26 de mayo de 1895. Padeció poliomielitis a la edad de siete años, lo que provocó deformaciones en los pies y que creciese con una constitución débil.

Fue alumna de Clarence H. White al estudiar fotografía en Nueva York, aunque luego se trasladaría a San Francisco para abrir su propio estudio en el año 1918. Dos años más tarde se casa con el pintor Maynard Dixon y tienen dos hijos varones: Daniel y John, aunque Lange se divorciaría de su marido y se casaría con el economista Paul Schuster Taylor en el 35, con quien realizó un documental sobre la pobreza rural y la explotación de los cultivadores y trabajadores inmigrantes.

Con el comienzo de la Gran Depresión fue contratada por la Administración para la Seguridad Agraria, de donde saldría su reportaje más conocido donde retrataba a pobres y marginados (sobre todo campesinos, familias desplazadas e inmigrantes), en el cual la foto más influyente sería “Madre Migrante”.

Recibió en el 1941 el premio Guggenheim Fellowship por la excelencia en fotografía, de lo cual se aprovecharía favorablemente para registrar la fuerza de la evacuación de los japoneses estadounidenses en los campos de concentración del occidente del país después del ataque a Pearl Harbor. Once años más tarde Dorothea Lange sería la cofundadora de la revista Aperture.

Falleció el 11 de octubre de 1965 a los 70 años, después de sufrir varios problemas de salud.

Premios y galardones:

Recibió el Premio Guggenheim Fellowship.

Exposiciones:

Se realizó la exposición “Orden Ejecutiva 9066” (Museo Whitney, 1972).

Revista:

Fue cofundadora de Aperture.(1952)

"Sin título" - Chema Madoz
«-¿Por qué sigue haciendo fotos? - No entiendo mi vida sin eso. Me sirve para poner en orden mi relación con el mundo»

Aspecto formal:

-          Autor: Chema Madoz

-          Nacionalidad: Española

-          Procedencia: http://www.chemamadoz.com

-          Género: Artística

-          Movimiento, corriente estilística: Minimalismo, Surrealismo

-          Título: Sin título

-          Blanco y negro

-          Fecha de publicación: 2011

-          Lugar de realización: Madrid

-          Asunto o asuntos: Música y ritmo

-          Pose o preparación

Análisis del contenido:

Contexto: Madoz inicia un diálogo entre la imagen fotográfica y lo musical, acentuándose de manera notoria en sus últimas obras, con las que elabora un ciclo fotográfico autónomo que se relaciona activamente con el espíritu innovado que cobran las obras seleccionadas. Todo esto bajo su registro surrealista, en el que lo real y lo ficticio entran en conflicto y donde el blanco y negro, el ying y el yang de sus fotografías, actúa como ejercicio de reducción. 

Escena preparada

Descripción del contenido: En la fotografía observamos sobre un fondo de color blanco diferentes figuras y formas. De color negro, dos asas propias de una maquina de ejercicio físico mantienen tenso un pentagrama en el que observamos cinco notas diferentes.

Descriptores  onomásticos: Pentagrama, Música, Fotografía

Descriptores temáticos: Madoz, Música, Surrealismo

Reflexión sobre la imagen:  Madoz viene poniéndonos en contacto otros mundos posibles que nos rodean, un universo de objetos tan familiares como desconocidos, tan próximos como irreductiblemente extraños, y es bajo la influencia de autores como André Kertesz o Duane Michals, cuando Madoz comienza una nueva etapa como fotógrafo, relacionando diferentes realidades a través de la forma y la similitud. Él mismo confirma bajo este contexto “que con la fotografía se podía hacer algo distinto a lo que yo entendía hasta ese momento”. 

Con esta imagen, Madoz juega a lo que más le gusta, cuestionando realidades y formas, desvirtualizando y a la vez materializando un concepto que aparentemente se nos hace algo intangible, la música.

BIOGRAFÍA DEL FOTÓGRAFO:

 José María Rodríguez Madoz, más conocido como Chema Madoz, nació en Madrid en el año 1958. Estudió Historia del Arte, y fue ahí cuando comenzó su pasión por la fotografía tras hacerse con una Olympus ya que al mismo tiempo estudiaba fotografía en el Centro de Enseñanza de la Imagen.     

Aunque en sus orígenes, abandonando en la década de los 80 un trabajo en un banco que le horrorizaba, la fotografía de Madoz era muy distinta de la actual, ésta evoluciona notable y rápidamente hasta crear su propio espacio compositivo y estilo de autor. Madoz fabrica sus propias fotografías, realizando así un trabajo previo semejante a la escultura. De esta forma, consigue transmitir la sensación óptima con la que los objetos de sus fotografías crean un mundo paralelo cargado de pensamiento, y sin dejar mucho espacio para los sentimientos.      

De esta forma, Madoz desarrolla y pone en práctica un estilo altamente conceptual, surrealista y minimalista en distintas proporciones que le lleva, además de una gran proyección nacional, a ser uno de los fotógrafos más reconocidos en el panorama artístico internacional.   

Entre sus exposiciones más destacadas está su continua presencia en la feria ARCO y el festival fotográfico por excelencia de nuestro país, PhotoEspaña, donde es uno de los autores habituales de dicha muestra. De hecho, una de las exposiciones destacadas en la sección oficial de este año fue la suya en Alcobendas.

Por último, se dispone de gran cantidad de libros de fotografía en los que se recoge su obra, por ejemplo, el llamado “Photobolsillo”.

“Sin título” - Steve McCurry
«My life is shaped by the urgent need to wander and observe, and my camera is my passport»

Aspecto formal:

-          Autor: Steve McCurry

-          Nacionalidad: Estadounidense

-          Procedencia de la imagen (libro, catálogo, documento digital, etcétera): Galería de imágenes de Steve McCurry, álbum de “Children”

-          Género: Documental

-          Movimiento, corriente estilística: Naturalismo, verismo

-          Data de creación: 2004

-          Dimensiones: 640x426

-          Color o blanco y negro: Color

-          Fecha de publicación: 2004

-          Lugar de realización: Alto Churumazu, Yanesha, Peru

-          Asunto o asuntos: Fotoperiodismo

-          Plano/escala de la imagen (primer plano, plano general, etcétera): Plano medio longo

-          Natural o espontánea / pose o preparación: Natural o espontánea

Análisis de contenido:

Contexto: Steve McCurry fue por toda América Latina haciendo fotos a las gentes de allí, e se encontró con este niño con una pistola en la mano apuntándose a la cabeza. Lo curioso es que la pistola es de plástico, y que el niño está llorando debido a que unos chicos mayores se estaban metiendo con él. 

Retrato individual de un niño.

Resumo o descripción del contenido: Retrato en plano medio largo de un niño apoyado en una pared, o contra una pared, con una pistola en la mano apuntándose a la cabeza mientras llora.

Descriptores onomásticos: Steve McCurry; Children

Descriptores geográficos:  Perú; Latino América

Descriptores temáticos:  Children                 

BIOGRAFÍA DEL FOTÓGRAFO:

Steve McCurry nace en 1950 en Philadelphia, EE.UU.,  estudia cine en la Universidad de Pensilvania, pero se gradúa con un cum laude en artes escénicas para posteriormente trabajar durante dos anos en un periódico.

Tras esos dos años, Steve Mcurry pasa a trabajar de forma independiente como fotógrafo, y es en esta etapa donde cubre la Guerra de Afganistán, sacando sus películas cosidas en su ropa del país, acción que lo llevó a ganar la Medalla de Oro Robert Capa al mejor fotoreportaje en el  extranjero.

Cubrió también otras contiendas y guerras, y en 1986 ingresa en la agencia Magnum Photos

Trabajó y trabaja en numerosos artículos y reportajes para National Geographic, y es en una de estas publicaciones donde consigue su obra más conocida “La niña afgana” (1985), fotografía mundialmente conocida y que National Geographic califica de ser la fotografía más conocida.

Un resumen de su metodología de trabajo sería, según sus propias palabras: “En el retrato espero el momento en el que la persona se halla desprevenida, cuando afloran en su cara la esencia de su alma y de sus experiencias.... Si encuentro a la persona o el tema oportuno, en ocasiones regreso una, dos, o hasta media docena de veces, siempre esperando el instante justo. A diferencia del escritor, en mi trabajo, una vez que tengo hechas las maletas, ya no existe otra oportunidad para un nuevo esbozo. O tengo la foto o no. Esto es lo que guía y obsesiona al fotógrafo profesional, el ahora o nunca. Para mí, los retratos de este libro transmiten un deseo de relación humana, un deseo tan fuerte que gente que sabe que no me volverá a ver nunca más se abre a la cámara, esperando que alguien lo observe al otro lado, alguien que ría o sufra con ella.”

Actualmente continúa trabajando como fotoperiodista y ahora ofrece también cursos de fotografía.

Documental en el que aparece:

The face of human condition (2003), documental de Delestrac.

Premios y galardones:

Recibió diferentes premios como la Medalla de Oro Robert Capa, el premio Fotógrafo del año, por la Asociación Nacional de Fotógrafos de Prensa, diversos premios en el certamen World Press Photos y dos premios Oliver Rebbot

"Le bain de pied" - Sarah Moon
«La luz, es el idioma mismo de la imagen, el primer rol: sorprende, decepciona, sublimiza o desfigura, pero no hay fotografía sin ella.»

 Aspecto formal:

-          Autor: Sarah Moon

-          Nacionalidad: Francesa

-          Procedencia imagen: Gallery Jackson Fine Art

-          Género: Artístico

-          Movimiento, corriente estilística: Abstracto, Onírico

-          Fecha de creación: 1998

-          Título: “Le bain de pied”

-          Dimensiones: 57x74 cm

-          Color

-          Fecha de publicación: 1998

-          Lugar de realización: Francia

-          Asunto ou asuntos: Moda artística

-          Plano/escala de la imagen: Plano medio de unas piernas

-          Natural o espontánea / pose o preparación: Pose o preparación

Análisis de contenido:

Contexto: Trabajo de estudio sobre la moda

Retrato (individual o grupo): Retrato de dos piernas.

Resumen o descripción del contenido: Retrato en plano medio de dos piernas sumergidas en un cubo con agua, mientras se lavan con unas manos con las uñas pintadas del mismo color que una esponja que sujetan.

Descriptores onomásticos: Sarah Moon; Le bain de pieds; Moda

Descriptores geográficos: Estudio

Descriptores temáticos: Piernas; Cubo; Baño; Esponja

BIOGRAFÍA DE LA FOTÓGRAFA:

Sarah Moon, o Marielle Hadengue (adoptó estos dos nombres), nació en Inglaterra en 1941 en el seno de una familia judía francesa que había tenido que huir al país bretón debido a la II Guerra Mundial.

De pequeña estudió dibujo, y posteriormente trabajó entre 1960 y 1966 como modelo en Londres y en París bajo el nombre de Marielle Hadengue. Posteriormente decide pasar de estar delante de la cámara a estar detrás, y comienza su trabajo como fotógrafa de moda bajo el nuevo nombre de Sarah 

Moon, trabajando en cadenas de moda como Vogue, Dior o Chanel. Sin embargo, su encumbramiento se realizó en la década de 1970 mientras trabajaba para la marca Cacharel, en la cual fotografiaba a sus propias amigas, dando a sus fotografías un aspecto irreal y fantasmagórico, como un cuadro en el que las modelos quisieran evadirse de la realidad.

Después de estar quince años trabajando para estas marcas, pasó a dedicarse a una fotografía más artística, usando la película Polaroid y el cuarto oscuro, y añadiendo marcas o deterioros a sus fotografías para hacer que parezcan recuerdos o que sean fotografías sumidas en un ambiente onírico.

Libros publicados:

-          Coincidences

-          Encuentros casuales

-          Souvenirs improbables

-          Sarah Moon

-          Caperucita roja

-          Circus

-          Photo poche 78: Sarah Moon

Premios obtenidos:

Sarah Moon obtuvo diferentes premios como:

-          Clio Award (1984)

-          3 Lion d’or (1979, 1986, 1987) por sus cortos publicitarios

-          Grand Prix de la Photographie (1995)

-          ASMP award for Outstanding Achievement in Fashion Photography (1983)

-          Lucy Award (2006)

-          Prix Nadar (2008)

“Le Violon D’Ingres” – Man Ray
«Fotografío lo que no deseo pintar, las cosas que tienen ya una existencia.»

Aspecto formal:

-          Autor: Man Ray

-          Nacionalidad: Pensilvania

-          Género: desnudo

-          Movimiento, corriente estilística: surrealismo y dadaísmo. Pertenece a la fotografía pictórica.

-          Fecha de creación: 1924

-          Fecha de publicación: 1924

-          Procedencia: aparición en la revista Littérature de Junio de 1924. En 1970 se presenta en el Musée du Louvre de París en la exposición Autour du Bain Turc d’Ingres

-          Título: Le Violon D’Ingres

-          Dimensiones: 29.6 × 22.7 cm. Papel gelatinado de plata, retocado con lápiz y tinta china

-          Blanco y negro

-          Lugar de realización: París, Francia

-          Fotografía original

-          Asuntos: se trata el tema del arte –concretamente, la música-, de la mujer y la pasión.

-          Plano/escala de la imagen: plano medio largo

-          Natural o espontánea/pose o preparación: pose y con preparación por parte del fotógrafo, además, editada, al añadirle las “efes” del violín en su espalda.

Análisis del contenido:

Contexto: en el contexto artístico, hay que interpretar a Man Ray, un artista pictórico como ya fue explicado en los diferentes movimientos. Es la primera fotografía, la cual nace confundiéndose con la pintura, y hay que entender esto viendo que Man Ray además de fotógrafo era escritor, dibujante y escultor.

Además de esta corriente fotográfica, Le Violon d’Ingres se inscribe en el dadaísmo y surrealismo, teniendo en cuenta que cuando el surrealismo se separó del dadaísmo en 1924, fue Man Ray uno de sus fundadores. Es el momento en el que vive Man Ray, uno de los cumbres en el florecimiento del arte de vanguardia. No es una fotografía de captación de la realidad, sino preparada, y concretamente con la artista Kiki de Montparnasse (Alice Prin), amante de Man Ray, y vemos que es especialmente metafórica, tal y como se explica en el apartado “descripción del contenido”

Desnudo

Resumen o descripción del contenido: El nombre de “El violín de Ingres”, se compone de dos partes: el violín, e Ingres (Jean Dominque). El violín hace referencia al cuerpo de la mujer, el cual tiene forma de violín con sus dibujos en el costado. Es una metáfora: su cuerpo es un violín. Por otra parte, Jean Dominique Ingres, un pintor neoclásico francés en el cual Man Ray se ha inspirado para sus fotografías, concretamente un desnudo de espaldas  pintado por él: Le Grande Baigneuse. Además, la expresión en sí de: “violon d'Ingres”, es un coloquialismo francés que significa un hobby, entonces, Kiki, es el “violon d’Inges” de Man Ray.

Refleja en una imagen todo lo que para él es el arte, la pintura y las dobles lecturas al convertir el cuerpo de la mujer en un violonchelo, con las “efes” añadidas posteriormente en edición. Además, hay una dicotomía entre la reificación y la admiración del cuerpo de la mujer, mostrando la admiración, entre cierto tono humorístico, por la mujer, concretamente Kiki.

A partir de esta fotografía, las “f” dibujadas fueron un tatuaje muy popular entre los músicos, y diseñadores como Viktor Y Rolf se basaron en esta imagen para crear la temporada de ropa de primavera del 2008.

Descriptores onomásticos: Violín, Ingres, Kiki

Descriptores geográficos: París, Francia, habitación

Descriptores temáticos: desnudo, blanco y negro, fotografía editada, fotografía surrealista, fotografía pictórica

Reflexión sobre la imagen: esta imagen muestra delicadeza y fuerza a la vez, la fuerza de una mujer, de un instrumento musical; y la delicadeza que nos deja llegar su dorso desnudo. Un sentimiento de pasión, algo que Man Ray nos hizo llegar muy bien: la pasión por el cuerpo de la mujer, por la música y el blanco y negro. No en vano una de sus frases más representativas es: “Yo creo en la relación entre la fotografía y la música; Y esa es mi inspiración”. Es una imagen metafórica, como la mayoría de la fotografía pictórica, y a pesar de haber controversia entre si la fotografía debería ser tan preparada y artística como la de Man Ray, o si así pierde su esencia como fotografía; está claro que hay que entenderla en su contexto, atendiendo a su autor, y haciéndolo así, en ningún momento nos dejará vacíos.

BIOGRAFÍA DEL FOTÓGRAFO:

Man Ray, apodo de Emmanuel Radnitzky (debido a acotar cómo lo llamaba su familia: “Manny”, y el apellido que sus padres tuvieron que emplear por temor al antisemitismo: Ray, y muchas veces abreviado por MR), nace en Filadelfia, Pensilvania en el año 1890. Con orígenes judíos: su padre era de Kiev y su madre de Minsk. De 1906 a 1912 estudia en la National School of Design de Nueva York, frecuentando la galería de Alfred Stieglitz (siendo influenciado por él, y descubriendo así que la fotografía sería una de las nuevas artes). Además, estudia dibujo con Robert Henri en el Centro Ferre, a pesar de que sus padres no le viesen futuro en la pintura.

En el año 1913 contrae matrimonio con la poetisa belga Donna Lecoeur, seudónimo de Adon Lacroix –unión que se deshizo pocos años después-, quien fue de gran inspiración en todas sus obras.  Seguidamente, en 1915, se dan sus primeros trabajos fotográficos –adquiriendo su primera cámara fotográfica para reproducir sus obras plásticas- y conoce a Marcel Duchamp, con quien establecerá fuerte amistad y creará diferentes obras, «…Duchamp y Man Ray se reconocieron como espíritus afines y creció entre ellos una amistad que duraría toda su vida y gracias a la cual compartieron su afición por el ajedrez y colaboraron en numerosos proyectos» (Jacob, 2007, p.15).

En 1921 se instala en París, donde vive hasta 1940 y realiza una fructífera obra. En 1940 es cuando se instala en Hollywood y Nueva York, huyendo de la ocupación nazi de París, y trabaja como profesor en California. En 1946 se casa son su pareja Juliet Browner. Regresa a Francia en 1951, y publica diferentes libros además de participar en numerosas exhibiciones. En el año 1961 recibe la medalla de oro en la Biennale della Fotografia, Venecia.  Fallece el 18 de noviembre de 1976, en París, estando escrito en su epitafio: «Unconcerned but not indifferent», elegido por Juliet Man Ray para la tumba que comparten.

Movimientos:

 Desde 1917 es cofundador del movimiento dadaísta de Nueva York (junto a Marcel Duchamp y Francis Picabia). Publica varios diarios dadaístas, como New York Dada en 1921. En 1920 cofunda la Société Anonyme (junto a K. Dreier), una compañía desde la que gestiona todo tipo de actividades de vanguardia, como exposiciones.

«Ray también encontró inspiración en el Armory Show de 1913, que incluía las obras de Pablo Picasso, Kandinsky Wassily y Marcel Duchamp. Ese mismo año, se trasladó a una colonia de arte floreciente en Ridgefield, Nueva Jersey. Su trabajo también fue evolucionando. Después de experimentar con un estilo cubista de la pintura, se trasladó hacia la abstracción.» (Duarte, 2012, p.1)  A partir de ahí, expuso sus obras en numeras exposiciones dadaístas y surrealistas con múltiples autores.

Obras literarias e ilustradas:

Man Ray escribió diferentes libros, en especial con sus ilustraciones y dibujos, como por ejemplo Man Ray Photographs 1920-1934 (1934), pero también escribía artículos, destacando el manifiesto sobre las semejanzas entre fotografía y pintura A Primer of the New Art of Two Dimensions. Por otra parte, entre sus libros más destacados está su autobiografía Self-Portrait (1963)

Exposiciones:

Man Ray fue un autor prolífero tanto en exposiciones en vida, como póstumas. Dentro de las primeras, hay numerosas tanto individuales como colectivas, por numerosos países europeos. Dentro de las colectivas, generalmente se inscribe en exposiciones dadaístas y surrealistas, como , por ejemplo,  Salon Dada: Exposition nternationale, en la Galerie Montaigne, París  en 1922. Cabe destacar que su primera exposición individual se da en la Daniel Gallery de Nueva York, en la que presenta treinta cuadros y algunos dibujos, en el año 1925. Destaca también la primera retrospectiva que le realizó en el año 1973 el Metropolian Museum de Nueva York.

Películas como director:

-          1923: “Le retour a la Raison”, por Man Ray y música por Donald Sosin.

-          1928: “L’étoile de mer” de Man Ray

-          1929: “Les Mystères du Château du Dé”

Homenajes:

Hilda Lizarazu, cantautora Argentina apasionada por los trabajos de Man Ray, le hizo un homenaje dándole el nombre del artista a su propia banda.  Además, como amigo Marcel Duchamp dijo una vez: «Fue su logro para el tratamiento de la cámara como se trataba el pincel, como un mero instrumento al servicio de la mente.»

Características técnicas implementadas en sus fotos:

-          SOLARIZACIÓN/EFECTO SABATTIER: el efecto se obtiene sobre engativos que son re expuestos a la luz durante e revelado para darle esa sensación de luminosidad y líneas de contorno. El efecto "solarización" provocaba imágenes muy surrealistas. La “solarización" no se adquiere al mismo tiempo de tomar la fotografía, sin embargo la "solarización" tiene como efecto-surrealista el sueño que Man Ray aspiraba a lograr.

-          GRANULACIÓN: acentuación de la grana de plata del medio fotosensible que da a la fotografía una textura irregular.

-          REPRODUCCIÓN EN NEGATIVO: inversión de los tonos blancos y negros, que dan a la imagen un aire irreal de extraordinario efecto.

-          DISTORSIÓN: modificación de la realidad gracias a la inclinación del ampliador, proceso con relieve; efecto tridimensional que se logra colocando una diapositiva sobre un negativo ligeramente desplazado.

-          EDICIONES DE MONTAJE: le gustaba jugar con montajes tanto dentro como fuera de la cámara. 

-          PAPEL FOTOSENSIBLE: era indispensable una cámara fotográfica, ya entonces se sabía que colocando trocitos de papel, de vidrio y otros objetos planos encima del papel fotográfico, que luego se exponía a la luz y revelaba, se obtenía un fotograma.

-          FOTOGRAFÍA SIN CÁMARA (RAYOGRAFÍAS): consiste en exponer papel fotográfico durante unos segundos como si fuesen negativos. Generalmente, sus imágenes eran preparadas con objetos tridimensionales.

-          MOVIMIENTOS DE CÁMARA: esta técnica fue y es usada por muchos otros artistas/fotógrafos y consta de dejar el obturador abierto unos segundos para que la imagen que se capta salga movida.

-          RETRATOS DE ARTISTAS FAMOSOS: Luis Buñuel, Joan Miró, André Bretón, Pablo Picasso, Salvador Dalí, 

"Beso de cura y mona" - Oliviero Toscani
«La fotografía es la memoria histórica de la humanidad»

Aspecto formal:

-          Autor: Oliviero Toscani

-          Nacionalidad: Italiana

-          Procedencia: Campaña publicitaria

-          Género: Fotografía publicitaria 

-          Movimiento, corriente estilística: Realismo social

-          Título: Cura y Monja

-          Color

-          Data de publicación: 1991

-          Lugar de realización: Italia

-          Asunto o asuntos: Destaca valores como la empatía y la libertad bajo un contexto religioso.

-          Plano/escala de la imagen: Plano medio corto

-          Pose o preparación

Análisis de contenido:

Contexto: En los años 90, la empresa Benetton dio carta blanca a Oliviero Toscani, el cual realizó una serie de fotografías publicitarias bajo el nombre de “United Colors of Benetton” mostrando la realidad de diferentes temas, entre ellos, la cura y la monja. La imagen desató una gran polémica, contando incluso con la presión del Vaticano para retirar la imagen.

Retrato 

Descripción del contenido: La composición de la fotografía es simple. Sobre un fondo blanco destacan las figuras de un hombre y una mujer de aspecto joven besándose. Visten el atuendo propio de un cura y una monja, respectivamente. El de la monja, de color blanco, acaba fundiéndose con el fondo mientras que el del cura, de color negro, carga con todo el peso de la imagen. En la esquina superior derecha está presente el logotipo de la campaña publicitaria, “United Colors of Benetton”.

Descriptores onomásticos: Cura, Monja, Beso, Benetton

Descriptores temáticos: Beso, Religión, Publicidad, Celibato

Reflexión sobre la imagen: Toscani consigue transmitir en esta imagen la inocencia y delicadeza del ser humano ya sea bajo la vestimenta de un cura o en su lecho de muerte rodeado de sus seres queridos. La fotografía, que fue criticada por la Iglesia como un ataque al celibato y a las tradiciones católicas, no deja de ser, como dijo el propio Toscani, “no son más que dos seres humanos besándose”. De esta forma Toscani trata de comunicar mediante la publicidad algo más allá de la marca, convirtiéndose en un espejo que refleja los puntos débiles y más humanos de la sociedad.

BIOGRAFÍA DEL AUTOR:

Oliviero Toscani nació en Milan en 1942, estudió fotografía y diseño en la Universidad de arte en Zurich del 61 al 65.

Es internacionalmente reconocido como la gran fuerza creativa detrás de muchas de las marcas más exitosas, creando imágenes corporativas y campañas publicitarias para compañías como Espirit o Chanel.

En 1983 tiene su primer proyecto con Benetton, el cual consistía en la creación de una imagen de marca. Comenzó así una lucha contra la publicidad embellecida y maquillada, en favor de la realidad tal y como es.

Desde los años noventa, las campañas Benetton mezclaron géneros diversos, antirracismo, actualidad, anti-arquetipos, de forma que perturbaron el espacio publicitario con imágenes nunca utilizadas en este medio, lo que provocó reacciones políticas y morales.

De esta forma, Toscani inicia un diálogo con el público sobre la fuerza de los estereotipos, la libertad y la tolerancia.

Tras dieciocho años colaborando con Benetton, Toscani abandonó la marca para centrarse en sus nuevos proyectos, entre ellos, dirigir la parte creativa de la revista Talk.

Toscani ha ganado varios premios a lo largo de su carrera, entre ellos: Cuatro Leones de Oro, El Gran 

Premio de la Unesco y dos veces el Gran Premio de Affichage.

Realizó exposiciones en las ciudades de Venecia, Sao Paulo,  Milan, Ciudad de México, Helsinki, Roma y otras catorce ciudades.

Por último, ha escrito un libro, "Adiós a la publicidad", en el cual responde a todas las críticas y desarrolla sus propios conceptos sobre el arte publicitario.

AUTORES QUE FALTAN:

Desde nuestro conocimiento, faltan diversos autores, entre ellos: Henri Cartier-Bresson, Richard Avedon, André Kerstéz, y Brassaï. Consideramos que falta Cartier-Bresson por ser el padre del fotoperiodismo, el creador del “instante decisivo”. Sus foto reportajes fueron de los primeros creados, y tuvieron gran trascendencia, fotografiando prácticamente acontecimientos por todo el mundo. Basándose en la “fotografía del natural”, sin flash, simplemente con su cámara Leica, nos deleitó con con numerosas reconocidas fotografías.

Por otra parte, diametralmente opuesto en cierto modo, está Richard Avedon, quien debería aparecer en esta selección. Maestro de la fotografía preparada, del retrato, de la fotografía de estudio, no del natural como Bresson; nos dejó obras tan importantes como Dovima with elephants, entre otras. Fotografío a múltiples celebridades, ganando premios como el otorgado por la fundación Hasselblad en 1991, entre otros.

Seguidamente, cabría hacer mención a André Kerstéz, por su gran autodidactismo. Él mismo creó un estilo propio, con ángulos ortodoxos, ayudando mucho a la consolidación de la composición fotográfica –a pesar de que, precisamente por su composición, fuesen rechazadas muchas de sus fotografías en el año de su toma. Nunca sacrificó su punto de vista, siempre fue fiel a él a pesar de los diferentes pedidos de sus clientes. Es un claro ejemplo de autor comprometido con la fotografía y con toda su historia, siendo en la actualidad uno de los fotoperiodistas más importantes, e incluso admirado por fotógrafos como Cartier-Bresson.

Además, consideramos que falta en la selección Brassaï, pseudónimo de Gyula Hlász elegido en honor a su ciudad de origen, Brassó, es un fotógrafo de origen húngaro conocido por sus trabajos de escenas nocturnas en París muy próximas al surrealismo, puesto que muestran el carácter enigmático que respira una ciudad al llegar la oscura noche. Retrataba París con lunes tenues, y en sus fotografías vislumbrábamos desde rincones alimentados por la niebla a parejas besándose en la oscuridad o incluso prostitutas.

Brassaï mostró la ciudad del amor de una forma poco usual, ya que destapó todo aquello que surge cuando el sol es remplazado por la oscuridad, por eso debería estar en la selección. Además, también se interesó por el mundo del graffiti en su forma más primitiva, ejecutado en los primeros años del siglo XX a través de incisiones en las paredes y bajo relieves, y también por el cine, habiendo ganado su película “Tant qu´il aura des bêtes” el premio a la más original en el Festival de Cannes de 1956.

Además, quizá, en la selección de fotografía deberían incluirse otros géneros fotográficos como el lightpainting (teniendo en Galicia a un maestro en la materia: Simón López) y el macro, la captación de diminutas realidades (con fotógrafos como Markus Reugels y Fran Nieto). 

CONCLUSIÓN:

Este trabajo, en conjunto, nos ha parecido verdaderamente interesante. Poder escoger fotografías de una selección según nuestro propio criterio –la que más nos atrajese, la que más nos haya impactado, la del fotógrafo que más nos gustase…- nos ha dado la posibilidad de buscar con mayor motivación la información. Esta ha sido difícil de encontrar en algunos apartados, fundamentalmente en la web, teniendo que requerir  diferentes libros en papel con la obra de los autores para completarla, por lo cual ha sido un interesante trabajo de investigación.

Hemos conocido la historia de diferentes fotógrafos y hemos podido darnos cuenta de lo mucho que puede esconder una fotografía, y lo influyente que es el contexto histórico, político, social y artístico en ella. Además, en el caso de los fotógrafos que han vivido este mundo en sus primeros años, hemos visto que está muy ligado a la pintura y otras artes plásticas, por lo que nos ha aportado mucha información sobre la historia del arte en sí. 

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